ロスト・イリュージョンズ:だまし絵からキュビズムまで

キュビズムの発明者であるジョルジュブラックとパブロピカソは、遠近法を新しい種類の絵画空間に置き換えました。彼らの絵画は、遠くに後退するのではなく、一連の重なり合う平面内で鑑賞者に向かって前進しているように見えました。 1911 年、彼らはシミュレーションで表現を補完し、ステンシル文字と木目調のパッチを絵画に追加しました。 1912 年に、彼らは実際の新聞紙、壁紙、その他の素材を表面に接着しました。彼らの同僚であるフアン・グリスはさらに一歩進んで、古い彫刻を挿入し、写真の中に絵を作成しました。ブラック、ピカソ、グリがどのようにして新しい絵画空間と新しい媒体であるコラージュを発明したかという英雄的な物語は、美術史の教科書や入門コースの定番となっています。

それなのに…アメリカ美術のギャラリーを歩きながら、ジョン・フレデリック・ペトやウィリアム・マイケル・ハーネットによる初期のだまし絵の前で立ち止まって考えなかった美術史家がいるだろうか、「これはひどくキュビズムの絵画のようではないか？」」平面が重なっている？チェック。木目調？チェック。印刷された文字? チェック。壁やパネルから吊り下げられたヴァイオリンやその他の楽器という主題さえも、キュビズムの静物画を直接予期しています。美術史家は深呼吸をして、ピカソ、ブラック、グリがこれらの無名なアメリカ絵画を知っていたはずがないと振り返る。驚くべき偶然だ、それだけだ。

現在ニューヨークのメトロポリタン美術館で展示されている「キュビスムとだまし絵の伝統」は、キュビスムの完全な独創性という前提を打ち破るものである。キュレーターのエミリー・ブラウン氏（ハンター・カレッジおよびニューヨーク州立大学大学院センター教授）とエリザベス・カウリング氏（エディンバラ大学名誉教授）は、17世紀のオランダとフランドル地方に始まるだまし絵のヨーロッパの伝統を再構築した。 19 世紀のよく知られたアメリカの例は、2 世紀前のスタイルの後期の例として位置づけられます。ブラウンとカウリングは、キュビズムへの架け橋を築くために、だまし絵の伝統からモチーフや工夫を借用した 19 世紀後半から 20 世紀初頭の壁紙のサンプルを展示しています。この展覧会には、ブラックによる 15 点、グリによる 20 点、ピカソによる 30 点など、キュビズムの静物画の驚くべき宝庫も含まれています。多くの場合、キュビスムの絵画は、古い巨匠の伝統に近い先例と組み合わされます。場合によっては、探偵作品の驚くべき偉業の中で、アーティストが使用したオリジナルの壁紙のサンプルと組み合わせることもあります。

展覧会の 1 つのセクション「Things on a Wall」では、ハーネットの静物画—ヴァイオリンと音楽 (1888 年)、コルネリアスノルベルトゥスギスブレヒトのヴァイオリン、音楽本、リコーダーを備えただまし絵 (1672 年)、ブラックのヴァイオリンと楽譜が一緒に展示されます。：「プチ・オワゾー」（1913年）。 3 つの絵画はすべて、楽譜とともに吊り下げられたヴァイオリンを示しています。ガイスブレヒトでは、ヴァイオリンが板張りの壁から吊り下げられています。ハーネットでは、3 枚の木の板で構成される開き戸から。ブラックの背景もバンドに分かれています。遡及的に見ると、ギスブレヒトとハーネットの平行な板がキュビスムグリッドの先祖のように見えます。

逆に、ブラックにあるだまし絵の木目調の細心の注意を払って描かれた 3 つのパッチのうち、2 つは壁に属しているように見えるため、ここでも背景が木製パネルで構成されていると合理的に結論付けることができます。 Braque の木炭のハッチングは、Harnett の劇的な明暗よりも、Gijsbrecht の柔らかな陰影に雰囲気を近づけています。しかし、ハーネットの上部にある釘によって投じられた強い影は、不気味なことに、ブラックの画期的な 1909 年後半のヴァイオリンとパレットにある有名な釘と影を予期しています。この作品も今回の展覧会に含まれています。ブラックの爪がハーネット以外のものからインスピレーションを得たものであるならば、それは非常に似たものに違いありません。

展覧会の別のセクション「パピロフィリア」は紙への愛に捧げられています。ここで際立っているものの 1 つは、花崗岩のテーブルトップに散らばったさまざまな印刷ページを示す、ヴィルヘルム・ロバートの『だまし絵』(1770 ～ 1780 年頃) です。カレンダー、タイトルページ 2 枚、サンプルフォントシート、オランダ東インド会社からのお知らせ、歌の音楽と歌詞、ヨーロッパの地図、旅行者とオランダの風景を描いた 3 枚の彫刻が入っています。これはラテン語で「好きなものは何でも」という意味のクオドリベットです。印刷された文書の白黒は、青緑の地に散りばめられた黒と白の点で表される花崗岩の生き生きとした色と対照的です。多くのだまし絵では壁から吊り下げられた物体が描かれていますが、ここでは水平性に重点が置かれています。展覧会では、額装された素描が木製のサイドボードの上に平らに置かれ、水平方向の特徴が強調されています。

ロバートに風景の彫刻が含まれているのは、グリスの『ギター』（1913年）のようなキュビズム作品を予期している。この作品では、楽器は垂直のストリップに抽象化されているものの、子供を抱えた女性を描いた19世紀の彫刻の断片が添えられている。彼女の肩は森の中を走っている。より広い意味では、ロバートの素描は、1950年代のロバート・ラウシェンバーグの作品における文書と画像の蓄積を先取りするものである。レオ・スタインバーグがラウシェンバーグの絵画空間を「平台の画面」と表現したのは有名で、これは「物体が散在する」テーブルトップや掲示板に相当し、その表面が「心そのもの」を表し、無関係なデータの流れを処理するものである。おそらくポストモダンアートはロバートから始まるのでしょう。

展覧会の最後のセクションは、そのタイトル「The Artist Is Present」を、ニューヨーク近代美術館で2010年に開催されたマリーナ・アブラモヴィッチの回顧展から借用している。ここでは、アーティストが従来の署名以外の方法で著作者であることを主張する作品を指します。ジョン・ハーバールの『模倣』(1887) では、印刷されたカタログから切り取られ、架空の額縁に貼り付けられた紙切れのように見えるものにアーティストの名前が表示されます。作者であることは、黒い地面とフレームに「接着」されただまし絵の紙幣や切手のように、模倣物に還元されます。ブラウンとカウリングは、これをピカソの1914年のパピエ・コレと組み合わせた。この作品は、斑点のあるシートに貼り付けられたパイプと楽譜のキュビズムの絵を描いており、彫刻された木の境界線を模倣した壁紙の細片から組み立てられた「フレーム」内に取り付けられている。フレームに貼られたラベルにはブロック体で作者の名前が書かれています。フレームのだまし絵の彫刻とラベルの手刷りは、キュビスムがいつか「美術館」の芸術になるかもしれないという考えを嘲笑しているかのようです。

学者たちは、キュビスムにおける色付きの点の出現を説明するのに長い間困惑してきましたが、ブラウンとカウリングはこの謎を解決しました。パイプと楽譜の藤色の背景にある黒と白の点は、明らかにだまし絵の一種をモデルにしています。ロバートの 18 世紀の絵画や、展覧会に含まれる 19 世紀後半の壁紙で見つかったオイユ花崗岩。しかし、ピカソは、パイプと楽譜の上に広がる 2 つの斜めの帯の点のフィールドを継続することで、従来のだまし絵の境界を超えています。さらに、ドットは図面を横切るにつれて色が変わります。1 つのバンドでは黄色と赤、もう 1 つは黄色と赤です。もう一方は赤と紫です。花崗岩の落ち着いた模造が、幻想的な色の遊びに取って代わられます。

展示会の他のセクションでは、さまざまな関連テーマが取り上げられています。ショーはだまし絵の誕生に関する写真を含む「オリジンストーリー」で始まります。だまし絵は、どちらがより写実的な絵を描くことができるかを競う、2 人の古代ギリシャの画家の間の伝説的な競争です。「だまし絵と職人の伝統」では、ブラックとピカソの木目調と大理石の使用に焦点を当て、彼らのキュビズムの絵画を、彼らにインスピレーションを与えたハウスペインターのマニュアルやサンプルとともに紹介します。同様に、「壁紙の世界」では、壁紙を組み込んだキュビズムの写真と、当時の実際のサンプルを並べて展示しています。これらの中には、それ自体が魅力的なものもあります。ベネチアンブラインドを模した 1910 年から 1911 年の壁紙では、ブラインドの繰り返しの縞模様が、1959 年のフランクステラの「ブラック」絵画や、1960 年代半ばのブリジットライリーの波状縞模様のように、催眠術的な力を発揮しています。。（グリはこの壁紙を 1914 年の絵画で使用しましたが、この絵画はカタログに再現されていますが、残念ながら展覧会では利用できませんでした。）「だまし絵とタイポグラフィー」では、超現実的な新聞を含む 17 世紀と 19 世紀の絵画をキュビスム作品と組み合わせています。新聞紙の細片を組み込んでいます。

「Shadow Play」では、ピカソがキャストされた影（あるもの、あるものは偽物）を使って遊んだ心理ゲームを探求し、グリの絵画に描かれた物体の神秘的な黒いシルエットも探求します。絵画と彫刻の伝統的な対立にちなんでタイトルが付けられた「パラゴーネ」は、塗装された木材と板金から作られたピカソのキュビズムのレリーフを特徴としており、媒体間の区別を解消しています。「Things on a Table」は、だまし絵の枠を超え、17 世紀から 18 世紀の卓上の静物画とグリやピカソの作品を組み合わせています。

このカタログには、ブラウンとカウリングによる目を見張るような紹介エッセイに加えて、2 つの追加記事が掲載されています。クレア・ル・トーマスは、キュビスムの職人的起源に関する2016年の著書「Racines Populaires du cubisme: Pratiques ordinaires de création et art savant」の研究をもとに、ハウスペインターおよび装飾室内画家としてのブラックの初期の訓練について英語で初めて詳細に説明している。それは彼に前衛芸術の構造に革命を起こす準備をさせました。メトロポリタン美術館の保存修復家であるレイチェル・ムスタリッシュは、グリのコラージュ技法の独創性について説明します。ブラックとピカソが紙の大きなパッチを重ねる傾向があったのに対し、グリは見つけた素材を小さく正確な形状に切り取り、それを寄木細工の精度で合わせました。

「キュビズムとだまし絵の伝統」は、美術史家を何年も忙しくさせます。だまし絵とキュビズムとの関係や、主流の古い巨匠絵画との斜めの関係については、まだまだ語るべきことがたくさんあります。カウリングは、伝統的な芸術家や批評家がこのスタイルを「低俗で平板で低俗なスキル」として軽視したことを鮮やかに呼び起こします。しかし、このテクニックには、単なる「スキル」としては適切に説明できない、特別な形式的な性格があります。むしろだまし絵は、従来の「リアリズム」の重要な側面を回避することに依存しています。

従来の遠近法では、物体や物体は対角線に沿って短縮され、1 つ以上の消失点につながります。理論的には、質量と空間の錯覚は、見る人が正しい場所に立っている場合にのみ信頼できるはずです。実際には、遠近感はさまざまな視点位置から完璧に機能します。観客は、物事がどのように表現されているかと、どちらかの側から見た場合に実際にどのように見えるかの間の矛盾を無視します。この無意識の修正が必要になっても、画像のリアリズムが損なわれるわけではありませんが、幻想的ではなくなります。

成功しただまし絵は、遠近感を取り除くことで錯覚を最大限に高めます。すべてが平らで、見る人に面しています。景気後退は形状の重なりによってのみ示され、ある面を別の面から分離するための影の使用によって強調されます。ハーネットの『ヴァイオリンと音楽』は、より強い影を使用することで、ギスブレヒトの『ヴァイオリン、音楽本、リコーダー』よりも強力な幻想を作り出します。だまし絵の画家は、ゲームのルールを大幅に簡素化することで成功しました。しかし、この単純化により、結果の芸術的品質が損なわれる可能性があります。ハーネットはより印象的ですが、ギスブレヒトほど優れていません。

キュビスムは物事をさらに複雑にします。 1908 年と 1909 年に、ピカソとブラックは物体や物体の表面をファセットに分割し、デジタルアニメーションで使用されるワイヤーフレームフィギュアのようなものに変換しました。 1910年、ピカソはオブジェクトの統一性を粉砕し、垂直線と水平線の足場で支えられた独立した平面に分割しました。この革命的なキュビズムの「グリッド」は、伝統的な視点を、より単純なものではなく、根本的に異なるものに置き換えました。 1911 年、ブラックは、自身の準抽象的な作品の独立した平面を、ステンシルのレタリングや木目調などの現実的なディテールで埋めることができることに気づきました。 1912 年、ピカソとブラックは、これらの「受容体」平面に壁紙や新聞紙の細片などの実際の物体を充填し始めました。彼らは、だまし絵の語彙を借用しました。なぜなら、その現実的な細部が、全体の構成の複雑で抽象的な枠組みと非常に強力なコントラストを生み出していたからです。ブラックのヴァイオリンと楽譜のようなキュビズムの絵画「プチ・オワゾー」には幻想的な細部が含まれていますが、全体としては幻想的ではありません。足場の予備の木炭の線と木目調の緻密で触覚的な斑点とのコントラストは、記憶のアナログとして機能する可能性があり、一部の詳細は鮮明に回復しますが、その他の詳細は曖昧なままです。それはスタインバーグの平台画面のような思考の絵です。

最後に、フェルナン・レジェの作品にはだまし絵が存在しないことについて考えてみるのも有益でしょう。彼は、第一次世界大戦前にはダニエル＝ヘンリー・カーンワイラーに代表され、1920年代にはGFレーバー、第二次世界大戦後はダグラス・クーパーによって収集された「本質的なキュビスト」グループの4番目のメンバーでした。彼らは、2013 年にメトロポリタン美術館と約束されたレナード A. ローダーコレクションに含まれる唯一のキュビスト 4 人でもあります (ブラウンは長年そのキュレーターを務めています)。レジェはだまし絵にはまったく興味がありませんでしたが、第一次世界大戦後は彼はキュビスム作品に広告イメージを組み込み始め、現代美術のモデルとして看板やショーウィンドウについて書きました。広告は、現実を抽象化寸前の構図に取り込む別の方法を提供しました。だまし絵のように、キュビズムの中に生産的な緊張感を生み出しました。さまざまな視覚言語を複雑な全体に組み合わせることにより、メトロポリタン美術館で展示されているキュビズムの絵画は、制作当時と同じように今日でも刺激的なものになっています。

「キュビズムとだまし絵の伝統」は、ニューヨークのメトロポリタン美術館で2023年1月22日まで開催されている。

この記事は、『Art in America』2022 年 12 月印刷版、22 ～ 24 ページに掲載されています。